En el marco del 8M conviene recordar que la historia del arte no es sólo una galería de “grandes maestros”, como durante siglos se nos ha enseñado; sino un relato incompleto donde las mujeres -siempre presentes en la producción artística- rara vez ocuparon el lugar que merecían en museos, academias y libros de historia.
Esta no es una ausencia real, sino un silenciamiento sistemático que hoy comienza a revisarse: detrás de innumerables obras, movimientos y talleres, hubo mujeres cuya creatividad fue relegada a la sombra de una tradición que privilegió la firma masculina.
Estas mujeres, desde distintos territorios y temporalidades, no sólo transformaron las formas de hacer arte,transformaron el mundo: hicieron del acto creador un acto de resistencia. Ante sistemas que les negaron voz, derechos y nombre, respondieron con obra, con pensamiento, con vida. Allí donde se esperaba silencio, diseñaron lenguajes nuevos; cuando les confinaron a la esfera doméstica, la convirtieron en territorio político; cuando la historia quiso olvidarlas, dejaron huellas imposibles de borrar.
La resistencia de las mujeres en la historia del arte no aparece de forma aislada ni repentina, sino como una corriente subterránea que atraviesa siglos y contextos; cada creadora aportó una grieta en la estructura cultural de su tiempo que permitió que otra mujer, más adelante, entrara con más fuerza.
Mujeres como Artemisia Gentileschi (Italia, 1593-1654), violada a los 17 años por un pintor empleado del taller de su padre y que fue marcada por la sociedad como la responsable de su propia desgracia; o Louise Bourgeois (Francia, 1911-2010) cuya vida estuvo atravesada por la infidelidad de su padre hacia su madre; utilizaron la violencia de género, el abuso, la sexualidad y el cuerpo femenino como campo de resistencia en su arte; abriendo el camino a artistas contemporáneas como Ana Mendieta(Cuba/EE.UU, 1948-1985) cuyas obras estan marcadas por la violencia hacia la mujer; Kara Walker (EE.UU, 1969) que denota en sus obras el racismo, la esclavitud y la sexualización de los cuerpos femeninos afrodescendientes; Tracey Emin (UK, 1963) cuya obra denota el dolor, el deseo y la vulnerabilidad; o Regina José Galindo (Guatemala, 1974) cuyos performances denuncian los abusos del poder.
Otras, como Berthe Morisot (Francia, 1841-1895), cuyo nombre aparece a veces al final de las listas de los impresionistas como seguidora, cuando fue una de sus fundadoras; abrieron camino a Sopie Calle (Francia, 1953)que indaga en la intimidad, el deseo y las emociones femeninas; a Mickalene Thomas (EE.UU, 1971) que se reapropia del retrato íntimo y la sensualidad y el poder femenino; o a Njideka Akunyili Crosby (Nigeria/EE.UU, 1983) que retrata la vida cotidiana de las mujeres migrantes.
México también ha sido un territorio donde la resistencia femenina ha nutrido la historia del arte con potencia singular. Desde las mujeres anónimas que bordaron símbolos de cosmovisión y memoria en la tradición textil mesoamericana, hasta las pintoras del siglo XX que hicieron de su vida una declaración estética.
Mujeres como Remedios Varo (España, 1908-1963) y Leonora Carrington (UK,1917-2011), cómplices en la imaginación y en la insubordinación; desplazaron los límites del surrealismo hacia territorios donde el feminismo temprano y la autonomía se volvieron imágenes. Siguiendo esta línea, en donde el arte es un portal de mundos internos, tenemos a Marina Abramovic (Serbia, 1946) que representa el cuerpo femenino como puerta ritual o a Judy Chicago (EE.UU, 1939) que destaca por su iconografía feminista.
Por su parte, Frida Kahlo (CDMX, 1907-1954) convirtió su cuerpo accidentado, su vida sentimental turbulenta y sus pensamientos más profundos en una iconografía autobiográfica que rompió la representación del cuerpo y convirtió la herida en relato colectivo. Kahlo utilizó el autorretrato como símbolo colectivo de identidad cultural y pertenencia, como en la actualidad lo hacen Grada Kilomba(Portugal, 1968) o Zenele Muholi (Sudáfrica, 1972).
Lola Álvarez Bravo (Lagos de Moreno, Jal., 1903-1993) y Graciela Iturbide (CDMX, 1942) construyeron con la cámara fotográfica una mirada que dignifica la identidad, la ritualidad y la fuerza de las mujeres mexicanas más allá del canon occidental, sentando las bases para fotógrafas como Yolanda Andrade (Villahermosa, Tab., 1950), una fotógrafa urbana que capta con su lente la perspectiva femenina.
Hoy, nuevas creadoras mexicanas como Teresa Margolles(Culiacán, Sin., 1963) denuncian las violencias que atraviesan la existencia femenina; otras, como Mónica Mayer (CDMX,1954) exponen las estructuras cotidianas del machismo y la inequidad; las artistas textiles de Chiapas, Oaxaca y Puebla continúan tejiendo con hilos de memoria esa otra historia que nunca dejó de existir: la de las mujeres que sostienen el mundo desde el arte y la comunidad.
En conjunto, estas mujeres no sólo modificaron el arte,cambiaron la historia de lo humano: Artemisia con la dignidad, Morisot con la intimidad, Bourgeois con la memoria, Frida con el cuerpo político, Carrington con la magia, Varo con el conocimiento, Iturbide con la dignidad cultural, Mayer con la denuncia, Margolles con la verdad brutal. Todas, desde distintos momentos y geografías, demostraron que la imaginación, la creatividad y el arte son formas de resistencia y que ésta puede ser política y cotidiana, íntima y pública, silenciosa y rotunda. Cada una de estas mujeres amplió la posibilidad de ser, no sólo para sí misma, sino para todas.
Recordar sus nombres -y también los nombres que aún no conocemos- no es un acto de homenaje solamente: es una forma de reescribir la historia para que la creatividad y la libertad no tengan género. Porque cuando una mujer se atreve a crear desde sí misma, no sólo produce arte: produce futuro.
Ana Martha Hernández Castillo
Historiadora del arte y doctora en estudios históricos. Docente e investigadora de temas culturales y artísticos de la ciudad de Puebla. Gestora de proyectos culturales en el ámbito público y privado